中德SGFB“国际品牌创新”系列讲座 | 注意力时代的艺术、可见性与创作自主

在全球化、数字化、智能化快速发展的时代，品牌创新成为了企业持续发展的关键因素。无论是产品设计、包装创新、营销策略，还是商业模式，国内外品牌都在不断探索与迭代，以适应市场需求和消费者偏好变化。中德品牌学部开设“国际品牌创新”系列讲座，邀请来自业界、学界的品牌专家学者，分享国际品牌创新的最新趋势、方法和案例，以启发师生创新思维，提升品牌学科建设水平。

3月26日晚，SGFB“国际品牌创新”系列讲座邀请到视觉艺术教育者、多媒体艺术家Mateja Ristić教授，为全校师生带来专题讲座 “Art, Visibility and Creative Integrity in the Age of Attention——注意力时代的艺术、可见性与创作自主”。讲座立足数字时代创意实践变革，探讨了高度可见性与关注度对创作的影响，思考青年创作者如何在曝光与竞争中保持创作自主性。

主讲人介绍

Mateja Ristić，视觉艺术教育者、多媒体艺术家，贝尔格莱德艺术大学博士。他拥有逾二十年横跨欧洲与亚洲的学术及艺术实践经验，其跨学科研究聚焦艺术、媒介体系与创意产业的交汇领域，着重探讨技术如何重塑艺术创作的主体性与感知方式。Ristić教授的作品曾在六十余个国际展览中展出，并荣获包括2025年红点设计奖在内的多项世界级奖项。他曾在塞尔维亚、中国及英国的高等教育领域从事国际合作项目。其艺术实践涵盖绘画、装置、行为艺术及跨媒介创作。

数字时代创作生态：

可见性如何重塑创作初衷

Mateja Ristić教授用一组直观数据勾勒出当代创作的现实图景：他对比了“传统创作周期”与“数字创作周期”——过去一件艺术作品从完成到获得专业反馈可能需要数月甚至数年，而如今在社交平台上，作品发布后1小时内的点赞量、24小时的浏览量就会成为创作者最先接收到的“评价信号”。

他指出，这种即时曝光让数据指标从“传播参考”变成了“行业现实”：点赞、分享、等数据不仅决定定曝光范围，更让创作者在创作前便预判算法偏好。当被问及“是否有创作者为了流量调整创作方向”时，他分享了一项针对青年创作者的调研结果：超过60%的受访者承认曾为了提升数据表现，修改过作品的主题、形式或表达节奏，而这种细微调整的长期累积，最终会让创作逐渐偏离最初的表达愿景。

“当你按下发布键的前一秒，脑海里闪过的是‘我想表达什么’，还是‘大家会喜欢什么’？”Mateja Ristić教授这一提问精准戳中了数字时代创作的核心矛盾：我们究竟是在为自己创作，还是在为算法与流量创作。

艺术的定义与价值：

多维动态的本质与场景依赖

探讨“何为艺术”这一核心问题时，Ristić教授未给出单一定义，而是用6种艺术理论的对比，向观众展现了艺术定义的动态性与复杂性。他拆解模仿说、表现说、形式说、审美体验说、意向造物说与制度论的核心观点，并用具体作品举例：对比库尔贝《石工》（模仿说）与杜尚《泉》（制度论），前者是对现实的精准再现，后者则完全依赖“艺术界”的认可才成为艺术，来说明“没有任何一种理论能完整阐释艺术全貌”。

他说：“艺术的价值从来不是孤立存在的”。同样一件装置作品，放在美术馆与街头市集的传播意义与获得的评价会截然不同。他引导大家思考——如果一件作品只有10个人看过，但这10个人都因此获得了深刻的审美体验；另一件作品有100万浏览量，却无人真正记住它——哪一件更有艺术价值？通过这种对比，由此让学生理解：艺术的价值不仅在于作品本身，更与其存在的场景、传播的语境以及外部的认可体系密切相关。

注意力与价值的博弈：

警惕流量成为唯一评判标准

Ristić教授用“爆款与经典的对比”清晰论证了注意力≠艺术价值的核心观点：他展示了两组数据——某件在社交平台获得千万级浏览量的“网红艺术作品”，在一年后几乎无人提及；而一件仅在小众艺术展展出的作品，却被收录进多本当代艺术教材，持续影响着后来的创作者。

他解释道，注意力仅衡量观众的即时反应，比如好奇、娱乐或短暂的情绪共鸣，却无法衡量作品的艺术深度、思想内涵与长期价值。更值得警惕的是，当可见性成为唯一的价值评判标准时，平台与市场的非中立性会进一步裹挟创作者：平台算法会持续奖励“容易引发情绪波动”的内容，市场则会引导创作者迎合大众偏好，最终让“有深度但难传播”的创作逐渐边缘化。

Ristić教授直言：让更多人看到是好事，但如果为了被看到而放弃创作的深度，那我们最终得到的只是“被看见的艺术”，而非“有价值的艺术”。

坚守创作本心：

在喧嚣中保持创作自主

Ristić教授结合二十年余的创作与教学经验，给出了坚守创作本心的实用路径，并通过案例让这些原则更具可操作性：

认知层面：他分享了自己的经历——早期曾因作品数据不佳而自我怀疑，后来逐渐意识到“点赞数无法定义艺术的深度”，并建议青年创作者：“不要用平台的数字指标衡量自己的价值，你的创作满足感才是最核心的标尺。”

创作层面：他鼓励大家“专注于自己的创作方向，而非外界的关注”，并以自己的跨媒介作品为例：即便这些作品从未成为“流量爆款”，但持续一致的表达形成了独特的艺术风格，最终获得了国际艺术界的认可。

实践层面：他提出“延迟反馈”的建议——作品完成后先沉淀一段时间，再发布到平台，避免被即时数据干扰创作判断；同时要“读懂平台规则，但不被规则绑架”，在必要时主动打破算法的束缚，坚持自己的创作表达。

讲座结尾，Ristić教授向所有青年创作者发出追问：“你的作品，是你创作愿景的表达，还是对体系期待的迎合？”这一问题也成为整场讲座的核心落点：真正的创作自由，从来不是“不被看见”，而是在被看见的同时，依然能坚守自己的创作本心与主体性。